john

Annie Leibovitz

Leibovitz es una de seis hermanos. Su padre, Samuel Leibovitz, era Teniente Coronel de las Fuerzas Armadas de Estados Unidos. Debido a esto, la familia entera debía mudarse constantemente cuando Annie era sólo una niña. Su madre, Marilyn Heit Leibovitz, era una instructora de danza contemporánea.
En la secundaria, Leibovitz se interesó en diversas ramas artísticas. Comenzó a escribir y a tocar música. Acudió al Instituto de Arte de San Francisco. Su interés por la fotografía surgió cuando tomó fotos en un viaje que realizó a Filipinas para visitar a su familia. Durante varios años continuó desarrollando sus habilidades fotográficas y, al mismo tiempo, trabajaba en diferentes lugares, inlcuyendo una temporada en la comuna israelí de Kibutz en 1969.
Cuando Annie regresó a Estados Unidos en el año 1970, postuló para trabajar en la entonces emergente revista Rolling Stone. El editor Jann Wenner quedó impresionado con su portafolio y le permitió ser parte del personal de la revista. Dos años más tarde, Leibovitz fue promovida al puesto de fotógrafo jefe, el cual ocupó por 10 años. Durante este tiempo, Annie desarrolló la técnica que más tarde se convertiría en su marca registrada. Sus íntimos retratos de celebridades en poses inusuales ayudaron a definir la apariencia de la revista.
En 1975, Annie fue la encargada de documentar la gira de conciertos Rolling Stones Tour of the Americas '75 que el grupo británico The Rolling Stones realizó en Estados Unidos aquel año.[1]
El 8 de diciembre de 1980, Leibovitz fue quien fotografió al cantante británico John Lennon por última vez, antes de que éste fuera asesinado por uno de sus admiradores aquel mismo día. Annie le había prometido a Lennon que una de sus fotografías adornaría la portada de Rolling Stone. Aunque nadie de la revista quería que Yōko Ono apareciera en la publicación, fue John quien le insistió a Leibovitz que él debía posar para las fotos junto a su esposa. Leibovitz intentó recrear una de sus imágenes favoritas: la que aparece en la portada del álbum Double Fantasy del propio John Lennon. Finalmente, la fotografía publicada por Rolling Stone el 22 de enero de 1981 fue aquella en que aparece John desnudo abrazando a Yōko Ono, quien está completamente vestida, sobre el suelo.[
Desde 1983, Leibowitz ha trabajado como retratista exclusiva de la revista estadounidense Vanity Fair.
Leibovitz demandó a la compañía cinematográfica Paramount Pictures por infringir los derechos de autor de una fotografía suya en 1993. La imagen, que adornó la portada de Vanity Fair en 1991, es aquella donde aparece la actriz Demi Moore desnuda mostrando su embarazo.[3] Paramount había hecho una parodia de aquella famosa fotografía para promocionar su película cómica The Naked Gun 33⅓: The Final Insult. En la imagen se ve al actor Leslie Nielsen "embarazado" y posando exactamente igual a Demi. Annie perdió la demanda cuando la corte consideró que la parodia de su fotografía era de uso legítimo.[4]
Desde el año 1995, Leibovitz tiene la misión de retratar a los actores y actrices que aparecen en The Hollywood Issue,[5] una edición especial que Vanity Fair publica en marzo de cada año. La portada de este número suele medir el triple que la portada común, es plegable y en ella aparecen los actores más destacados de Hollywood.
En mayo de 2006, Vanity Fair editó por primera vez un número especial dedicado al cuidado del medio ambiente: The Green Issue. La fotografía que adornó la portada de este número estuvo a cargo de Leibovitz, quien retrató a los actores Julia Roberts y George Clooney junto a los activistas ecológicos Robert F. Kennedy Jr. y Al Gore.[6] En la edición del año siguiente, fue el actor Leonardo DiCaprio quien posó para Leibovitz en un glaciar de Islandia. Annie realizó un fotomontaje para lograr que el célebre oso polar Knut apareciera junto a él, sentado sobre el glaciar.[7]
El elenco completo de la serie de televisión Los Soprano se reunió por última vez en la sesión fotográfica que Annie Leibovitz realizó para Vanity Fair.[8] El reportaje, publicado en abril de 2007,[9] se debió al término de la serie en junio de aquel año.
En septiembre de 2007, Annie fue la primera en fotografiar a la hija de los actores Tom Cruise y Katie Holmes, Suri,[10] poniendo fin a los rumores que aseguraban que la bebé no existía.[11] La imagen, donde la niña aparece asomándose desde dentro de la chaqueta de su padre, fue publicada en la portada de Vanity Fair. El resto de las fotografías, todas de Leibovitz,[12] aparecieron en el reportaje de 22 páginas que se le dedicó a la familia Cruise-Holmes.
En julio de 2007, Annie debió fotografiar a 21 celebridades (actores, cantantes, modelos, empresarios, deportistas, políticos y religiosos) para adornar las 20 portadas diferentes que Vanity Fair publicó en su especial The Africa Issue, cuya edición estuvo a cargo del cantante Bono.[13]
A fines de 2007, Leibovitz tuvo acceso exclusivo a los estudios de filmación de la película Indiana Jones 4, donde pudo retratar a sus protagonistas, Harrison Ford, Shia LaBeouf, Karen Allen y Cate Blanchett, además de sus directores George Lucas y Steven Spielberg. Éstas se convirtieron en las primeras imágenes de la película antes de su estreno en mayo de 2008 y fueron publicadas por Vanity Fair en su edición de febrero de 2008.[14]
El 14 de febrero de 2008, Vanity Fair recopiló los más destacados retratos de celebridades para la exhibición Vanity Fair Portraits-Photographs 1913-2008 que fue montada en la National Portrait Gallery de Londres. Annie fue una de las que participó en la muestra[.
]En mayo de ese mismo año, se formó cierta controversia debido a una fotografía que Annie tomó a la cantante y actriz Miley Cyrus. En la imagen se veía a Cyrus, quien entonces tenía 15 años, cubriendo su busto sólo con una sábana.[] La compañía Disney, donde trabaja Cyrus, lamentó que Vanity Fair "manipulara deliberadamente a una joven de 15 años para vender más revistas".[]Días más tarde, Miley pidió disculpas a sus admiradores, argumentando que la revista le había hecho creer que las imágenes estaban pensadas de manera artística[.]

Anton Corbijn

Anton Corbijn (* 20 de mayo de 1955 en Strijen, Holanda) es un fotógrafo y director de videos musicales, entre ellos "Personal Jesus" de Depeche Mode (1989) y "Heart-Shaped Box" de Nirvana (1993).
Corbijn empezó su carrera como fotógrafo durante un concierto en 1972. En 1979 se muda a Londres, donde empezó a trabajar con bandas de rock como Joy Division y Public Image Ltd. Durante este periodo Corbijn también empieza su trabajo como fotógrafo para prestigiosas revistas como Vogue y Rolling Stone.
Después de convertirse en un importante fotógrafo, Corbijn también decidió empezar a hacer videos musicales.
Corbijn dirigió la película Control sobre la vida del cantante de Joy Division Ian Curtis en 2006. La película está basada en el libro de Deborah Curtis Touching From A Distance sobre su difunto esposo.
Corbijn tiende a dejar a un lado la fotografía "glamour" tradicional, dándole a su trabajo un toque más natural, frecuentemente en blanco y negro. La gente a la que fotografía dan la impresión de estar calmados y lejos de la vida cotidiana. Sus fotografías muestran emociones naturales. Su patentado e influencial estilo de imágenes en blanco y negro ha sido imitado o copiado a tal punto en que se ha convertido en un cliché del rock y una parte vital del lenguaje visual en los 90s.
En el 2005, Palm Pictures lanzó una colección en DVD del trabajo de Corbjin como director de videos musicales. Además de un cuadernillo de 56 páginas, el DVD también incluye escenas cortadas, cortos y documentales comentados en los videos por los artistas.
Ademas Corbijn ha puesto multiples exposiciones en paises de latinoamerica como Peru o Argentina entre otros donde han sido un verdadero exito entre los conocedores.

Gente a la que Corbjin ha fotografiado [editar]
Adam Ant
Aimee Mann
Andrea Corr
Annie Lennox
Anthony Kiedis
Bahaus
Beck
Bee Gees
Billy Idol
Björk
Bob Dylan
Bono
Boy George
Brian Eno
Brainstorm
Bruce Springsteen
Bryan Ferry
Cameron Diaz
Captain Beefheart
Christy Turlington
Clint Eastwood
Coldplay
Danny DeVito
David Bowie
David Byrne
David Gahan
Debbie Harry
Dennis Hopper
Depeche Mode
Dwight Yoakam
Eagle-Eye Cherry
Easy-E
Echo & The Bunnymen
Elvis Costello
Foo Fighters
Frank Sinatra
Frankie Goes To Hollywood
Glenn Danzig
Glenn Close
Grace Jones
Helena Christensen
Henry Rollins
Herbert Grönemeyer
Ian Curtis
Ian McCulloch
Iggy Pop
The Immaculate Consumptive
Isabella Rossellini
Isaac Hayes
James Brown
Jeff Buckley
Jerry Lee Lewis
Jimmy Page
Jodie Foster
John Lee Hooker
Johnny Cash
Johnny Depp
Johnny Rotten
Jon Bon Jovi
José Mercé
Joseph Arthur
Joy Division
Julian Cope
Lou Reed
Kate Bush
Keith Richards
Kraftwerk
Kurt Cobain
Kylie Minogue
LL Cool J
Lenny Kravitz
Madness
Massive Attack
Marianne Faithful
Martin L. Gore
Martin Scorsese
Metallica
Michael Franti
Michael Schumacher
Michael Stipe
Mick Jagger
Miles Davis
Morrissey
Naomi Campbell
Neil Young
Nick Cave
Nicolas Cage
Nirvana
P. J. Harvey
Paul Oakenfold
Pete Townsend
Peter Gabriel
Peter Murphy
Propaganda
Quentin Tarantino
R.E.M.
Robert Plant
Rolling Stones
Roy Orbison
Simple Minds
Sinéad O'Connor
Siouxsie Sioux
Sophie Zelmani
Steely Dan
Stephen Dorff
Steven Spielberg
Stevie Wonder
Sting
Takeshi Kitano
The Killers
Therapy?
Travis
Trent Reznor
Tom Jones
Tom Waits
Tricky
U2
Van Morrison
Wilco
Willem Dafoe
Xmal Deutschland
ZZ Top

Julian Beever ARTISTA URBANO

¿Alguna vez cuando miran un cuadro no les da impresion de q le esta mirando a usted?, Pues mas o menos es lo que hace este artista, hace dibujos tan realistas y sofisticados que parece q estamos dentro de ellos. Este artista se llama Julian Beever, aqui les dejo un poco de su biografia y algunas pinturas, Alucinantes.Julian Beever es un artista británico dedicado a dibujar con tiza. Ha creado dibujos de tiza en 3D en el pavimento utilizando un método llamado anamorfosis que crea una ilusión óptica. Sus dibujos en las calles desafían las leyes de la perspectiva.Aparte del arte en tres dimensiones, Beever pinta murales y réplicas del trabajo de grandes maestros del arte. Usualmente lo contratan para crear murales para compañías. Asimismo se dedica a la publicidad y el marketing. Ha trabajado en el Reino Unido, Bélgica, Francia, Holanda, Alemania, los Estados Unidos y Australia.Desde el 2004 una cadena de correo con algunas de las obras de Beever ha estado circulando por Internet. El juego visual que proponen las imágenes ha sido confundido por muchas personas como producto de una edición fotográfica.Descarga de Fotografias: http://www.mediafire.com/?c2cdtmle1n

BANKSY

Banksy es un artista ingles que no podemos estar seguros ni cuándo ni dónde nació, ni siquiera cuál es su verdadero nombre. Él no quiere que lo sepamos y hay que respetárselo… o no y podemos retratar a todo estencilero que encontremos en la calle y decir que es Banksy.
Yo no soy muy fanático del arte conceptual ni de los nuevos medios en el arte. Me explico: no es que no haya visto cosas fantásticas, simplemente el tiempo no a pasado su coladera sobre el arte de mi época y veo igual cosas geniales que porquerías. Me corrijo, mucho más porquerías que cosas geniales. Pero ese es el chiste de vivir el arte de tu tiempo. Lo de los museos ya está seleccionado, sobrevivió. En cambio lo actual está vivo y ya todos lo que hemos vivido sabemos que la vida tiene más cosas malas que buenas, pero que vale la pena vivirla. Así que aunque la mayor parte del arte contemporáneo que veo me parece bobo, hay cosas que me dejan boquiabierto.
Banksy a mí me ha sorprendido y me encanta. Justo eso… me ha encantado. Quizá por anarco, quizá porque disfruto a un artista que no ve el arte como un esquema de producción, quizá por que odio los graphitis de mi calle y me encantaría que pintara mi barda, quizá porque simpatizo con su construcción conceptual, quizá porque me divierte y me hace reír con cosas bellas. O todas las anteriores y otras más. Me encanta.
Datos e imágenes para una biografía “biografía” de Banksy:
A Banksy le gusta pintar en las paredes de la ciudades. Usa mucho estencil, porque de acuerdo a sus propias palabras, carece de la velocidad necesaria para hacerlo a mano libre.
A Banksy le gusta meterse a los museos a colgar su obra. El caso más famoso fue el del British Museum donde colocó la de la izquierda. La de la derecha la colgó en el Tate British. Pero no sólo lo hace en Londres, lo ha hecho también en Louvre y en Nueva York, ciudad donde colgó su obra en cuatro museos en un sólo día. Cuando le preguntaron por correo electrónico porque no había colgado algo también en el Gugenheim, escribió: “Tendría que haber aparecido entre dos Picassos, y no soy lo suficientemente bueno.”

A Banksy también le gusta comprar 500 discos de Paris Hilton, llevárselos a su casa y regresarlos a las tiendas para su venta con las fotografías de Paris modificadas.
A Banksy le obsesionan, como a buen londinense, las ratas.
A Banksy le gusta hacer huecos de ficción en los muros de la vergüenza. Su obra en los muros que construyó el gobierno israelí en Cisjordania para mantener a raya a los palestinos son magníficos.
A Banksy le encanta pintar en las paredes, pero también lo hace en su estudio. Estas van dedicadas a mi amigo Eugenio.
Si ya lo conocen, díganme que opinan. Y si no, les dejo algunos links para que sepan más de él, disfruten su obra y ahí me comentan sus impresiones.

ANDY WARHOL

ANDY WARHOL es uno de los personajes más influyentes en la pintura de la segunda mitad del siglo xx. Nació como Andrew Warhola en 1928. Ha habido durante bastante tiempo algo de confusión sobre dónde y cuándo nació, pero de acuerdo con sus dos hermanos mayores y de acta de nacimiento archivada en Pittsburg, parece que nació el 6 de agosto en esa ciudad americana. De lo que no hay duda es de la fecha de su fallecimiento: 6:31h de la mañana del 22 de febrero de 1987, domingo, en el New York Hospital después de una operación a la que babía sido sometido mediante un paro cardiopulmonar.
Andy es considerado el fundador y la figura más relevante del llamado Pop Art. Después de graduarse en el Carnegie Institute of Technology en 1949, se mudó a New York y rapidamente comenzó a ganar fama como artista comercial. El cambio de apellido de (Warhola a Warhol) se debió al siguiente error: la revista Glamour Magazine publicó un dibujo suyo titulado Success is a Jobz en agosto de 1949, pero por error su apellido apareció como Warhol, en lugar de Warhola. Desde entonces él decidió utilizar este nuevo apellido. Continuó haciendo anuncios publicitarios e ilustraciones y para 1955 ya era el pintor comercial más famoso de New York. En 1960 realiza su primera pintura basada en personajes de Comic (como Popeye o Superman). Comenzó, también, a ser el pionero en el proceso del desarrollo de fotografías de grand formato, utilizándolas después como base de sus pinturas al óleo o la tinta. Fué esta técnica la que le permitió producir una serie de imagines repetitivas, con pequeñas variaciones, que comenzó en 1962 con el famoso bote de sopas Campbell. Una curiosidad con respecto a sus pinturas y que poca gente conoce, es que, en sus creaciones tiene utilizado a parte de los componentes principales, cholate fundido a la taza, mermelada de frambuesa, e incluso semen humano.
A finales de los 60's comienza a hacer cine. En 1965 comienza a trabajar en una banda de rock llamada The Velvet Underground, formada por Lou Reedo y John Cale.
El 3 de junio de 1968, Valerie Solanis, una estrella de segunda, va a su estudio (Factory) y dispara a Warhol tres veces en el pecho. Sobrevive de milagro. Después de una larga recuperación el pintor continúa trabajando. Fundó la revista Interview en 1969, publicó el libro la filosofia de Andy Warhol: de la A a la Z. En 1983 visita España, Promocionando su obra.
Warhol fallece en 1987, momento hasta el que estuvo dedicado a la pintura. Se le podría calificar como el mejor artísta gráfico del Pop Art.
Las pinturas de Warhol no contienen elementos homoeróticos o que hablen claramente de su sexualidad. Esto fué algo que siempre evitó enfáticamente: renunció, pues, como muchos otros artistas (David Hockney, por ejemplo) a valerse de su vida y de sus sentimientos como tema; en cambio su obra como director de cine tuvo el efecto contrario, pues pusieron en entredicho la identidad sexual y el papel de cada sexo. Por ejemplo en Flesh nos cuenta la vida de un chapero que mantiene a su mujer e hijo con su trabajo sexual. Warhol fue siempre una persona muy reservada respecto a su vida. Evitaba la comunicación directa y la expresión de los sentimientos y emociones (como sus pinturas: planas y básicas). Su reacción hacia la gente, de desprecio por si mismo, seriedad calculada y una aparente tolerancia hacia todo, sugiere una defensa completa ante un universo hostil y una renuncia e incapacidad para comprometerse

Salvador Dalí nació en una madrugada de la primavera de 1904 en el seno de una familia burguesa, hijo de un notario bienpensante y de una sensible dama aficionada a los pájaros. Más tarde escribiría: "A los tres años quería ser cocinero. A los cinco quería ser Napoleón. Mi ambición no ha hecho más que crecer y ahora es la de llegar a ser Salvador Dalí y nada más. Por otra parte, esto es muy difícil, ya que, a medida que me acerco a Salvador Dalí, él se aleja de mí".
Puesto que la persecución sería incesante y el objetivo no habría de alcanzarse nunca y, dado que en ningún recodo de su biografía estaba previsto que hallara el equilibrio y la paz, decidió ser excesivo en todo, intrepretar numerosos personajes y sublimar su angustia en una pluralidad de delirios humorísticos y sórdidos. Se definió a sí mismo como "perverso polimorfo, rezagado y anarquizante", "blando, débil y repulsivo", aunque para conquistar esta laboriosa imagen publicitaria antes hubo de salvar algunas pruebas iniciáticas, y si el juego favorito de su primera infancia era vestir el traje de rey, ya hacia sus diez años, cuando se pinta como El niño enfermo, explora las ventajas de aparentar una constitución frágil y nerviosa.
Salvador Dalí
Su precocidad es sorprendente: a los doce años descubre el estilo de los impresionistas franceses y se hace impresionista, a los catorce ya ha trabado conocimiento con el arte de Picasso y se ha hecho cubista y a los quince se ha convertido en editor de la revista Studium, donde dibuja brillantes pastiches para la sección titulada "Los grandes maestros de la Pintura".
En 1919 abandona su Cataluña natal y se traslada a Madrid, ingresa en la Academia de Bellas Artes y se hace amigo del gran poeta granadino Federico García Lorca y del futuro cineasta surrealista Luis Buñuel, de quien sin embargo se distanciará irreversiblemente en 1930. En la capital adopta un extraordinario atuendo: lleva los cabellos largos, una corbata desproporcionadamente grande y una capa que arrastra hasta los pies. A veces luce una camisa azul cielo, adornada con gemelos de zafiro, se sujeta el pelo con una redecilla y lo lustra con barniz para óleo. Es difícil que su presencia pase desapercibida.
En los revueltos y conflictivos meses de 1923 sufre un desafortunado contratiempo. En la Academia de Bellas Artes a la que está adscrito se producen manifestaciones en contra de un profesor, y antes de que dé comienzo el discurso oficial y se desate la violenta polémica, Salvador abandona la sala. Las autoridades creen que con este gesto ha sido él quien ha dado la señal de ataque y rebelión y deciden expulsarlo durante un año. Después, de nuevo en Figueras, los guardias vienen a detenerlo y pasa una temporada en la cárcel.
A la salida de prisión recibirá dos alegrías. La primera, una prensa para grabado que su padre le regala, y la segunda, la visita de su excelente compañero de la Residencia de Estudiantes de Madrid Federico García Lorca, quien, en las calurosas noches del verano de Cadaqués, lee a toda la familia Dalí sus versos y dramas recién compuestos. Es allí, junto al Mediterráneo, donde García Lorca redacta la célebre "Oda a Salvador Dalí", publicada unos años después, en 1929, en la Revista de Occidente. Pronto será también Luis Buñuel quien llegue a Cadaqués para trabajar con su amigo Salvador en un guión cinematográfico absolutamente atípico y del que surgirá una película tan extraña como es El perro andaluz.
En 1927 Dalí viaja por primera vez a París, pero es al año siguiente cuando se instala en la capital francesa y se une al grupo surrealista que lidera el poeta André Breton. Este último terminará expulsándolo del movimiento algunos años después, en una memorable sesión de enjuiciamiento a la que Dalí compareció cubierto con una manta y con un termómetro en la boca, aparentando ficticiamente estar aquejado de fiebre y convirtiendo así el opresivo juicio en una ridícula farsa.
La triple acusación a la que tuvo entonces que enfrentarse Dalí fue: coquetear con los fascismos, hacer gala de un catolicismo delirante y sentir una pasión desmedida e irrefrenable por el dinero. A esto precisamente alude el célebre apodo anagramático con que fue motejado por Breton, Avida dolars, acusación que lejos de desagradar al pintor le proporcionaba un secreto e irónico placer. De hecho, después de conocer a la que sería su musa y compañera durante toda su vida, Gala, entonces todavía esposa de otro surrealista, el poeta Paul Eluard, Dalí declaró románticamente: "Amo a Gala más que a mi madre, más que a mi padre, más que a Picasso y más, incluso, que al dinero."
Salvador se enamoró de Gala en el verano de 1929 y con ella gozó por primera vez de las mieles del erotismo. Es la época en que pinta Adecuación del deseo, Placeres iluminados y El gran masturbador, pintura esta última que fue atacada y desgarrada por el fanático grupo puritano los Camelots du Roy. Mientras tiene lugar una exposición de sus obras en la Galería Goemans de París, la joven y apasionada pareja se refugia y aísla en la Costa Azul, pasando los días y las noches encerrados en una pequeña habitación de un hotel con los postigos cerrados.
Dalí, un genio excéntrico
Enterado el padre de Salvador de la vida disoluta de su hijo por un artículo de Eugenio d'Ors aparecido en La Gaceta Literaria, rompe relaciones con su vástago; pero ello no debió afectarlo demasiado, o quizás sí, puesto que es en esa época en que el artista realiza lo mejor de su obra, como el célebre cuadro Persistencia de la memoria (1931), donde blandos relojes cuelgan de la rama de un árbol, del borde de un pedestal y sobre una misteriosa forma tendida en la vasta extensión de la playa.
En 1934 viaja con su ya inseparable Gala a Estados Unidos, donde desembarca y se presenta ante los periodistas con un enorme pan cocido por el cocinero del trasatlántico que les ha transportado. En sus erráticas manifestaciones no duda en asociar el mito hitleriano con el teléfono y a Lenin con el béisbol. Son todas bromas absurdas que tratan de quitar hierro a una situación política amenazante. Dos años después se desata la atroz guerra civil en España y una de las primeras muestras de la probidad de los militares insurrectos es el infame asesinato de su amigo Federico García Lorca, crimen que conmocionó a la opinión pública internacional. Dalí escribió: "Lorca tenía personalidad para dar y vender, la suficiente para ser fusilado, antes que cualquier otro, por cualquier español."
En 1938 conoce por fin, gracias al escritor vienés Stefan Zweig, a Sigmund Freud, quien había sido el gran inspirador de la estética surrealista, de la que Dalí no se siente marginado pese a las bravatas de Breton, sino que por el contrario se considera el único y más genuino exponente. El padre del psiconálisis había dado pábulo a la nueva indagación del inconsciente con su libro La interpretación de los sueños (1900), pero nunca se había tomado demasiado en serio a sus jóvenes admiradores de París.
No obstante, el 20 de julio de 1938, tras el encuentro, Freud anotó en su diario: "Hasta entonces me sentía tentado de considerar a los surrealistas, que aparentemente me han elegido como santo patrón, como locos integrales (digamos al 95%, como el alcohol puro). Aquel joven español, con sus espléndidos ojos de fanático e innegable dominio técnico, me movió a reconsiderar mi opinión". Por su parte, el artista realizó asombrosos y alucinantes retratos del "santo patrón" de los surrealistas.
Instalado otra vez en Nueva York en 1939, Dalí acepta un encargo para decorar unos escaparates comerciales. El tema que elige es el del Día y la Noche, el primero evocado por un maniquí que se mete en una bañera peluda y la segunda, por medio de brasas y paños negros extendidos, pero la dirección modifica el decorado sin consultar al autor. Dalí, iracundo, vuelca la bañera de astracán llena de agua y la lanza contra los cristales del escaparate produciendo un gran estrépito y un notable destrozo.